序論：寫作是一種深度的自我表達。它要求我們深入探索自己的思想和情感，挖掘那些隱藏在內心深處的真相，好投稿為您帶來了七篇繪畫論文范文，愿它們成為您寫作過程中的靈感催化劑，助力您的創(chuàng)作。

篇(1)

綜合繪畫材料的特性與美感

在創(chuàng)作實踐中，我們經常接觸和應用很多物理特性不同的材料，這些材料的肌理、質感及帶給我們的審美感受大有不同。各種媒材總能一目了然地透過肌理表達材料的特性，如軟的質感有溫暖、舒適感，硬的質感則具有剛強、冷漠感。又如粗糙、荒疏的材料容易產生艱澀、困難、沉重、力度的感覺，有男性粗獷、堅毅之感。相反，在細致、光潔、瑩潤的質料上則使人感受到一種精心、秩序、甜美，一種女性的溫柔與文靜。

除此之外，豐富的材料種類同樣帶給觀者不同的情感暗示。如彩色玻璃的晶瑩剔透、華麗感；貝殼的色澤妖嬈感；木材紋理別致、自然淳樸；石材光澤美觀、穩(wěn)重；鋼鐵堅硬、挺拔剛勁；鋁合金輕快、明麗；塑料細膩、致密；現(xiàn)代纖維材料溫暖、柔和、親近。這些都是材料本身具有的獨特美，是其它材料不可替代的，甚至有些材料作品還會觸發(fā)觀者的味覺、觸覺和聽覺感受。

自然界存在著許多可利用的材料，如何發(fā)現(xiàn)和獲取則需要藝術家具備獨到的鑒賞力和對材料的掌控力。面對現(xiàn)有的材料，我們要去把握它；面對沒有被利用的材料，我們應該去嘗試它；面對司空見慣的材料，我們可以將其打破重組，使之成為新材料，產生新精神。隨著藝術觀念的不斷開闊和現(xiàn)成品的采用，藝術創(chuàng)作的媒材范圍也在不斷擴大。有時，材料本身固然具有迷人的性能和表現(xiàn)力，但單純展示材料表象特征不是目的，真正要做的是借用合適的材料表達藝術精神。當藝術家的情感和觀念與材料的內在精神產生契合點時，作品的表現(xiàn)張力是具有相當震撼性的。

材料藝術性的探索與拓展

所謂藝術性，是指藝術家通過各種藝術手段反映社會生活、表達鮮明、準確、生動的思想情感。藝術性的高低與藝術作品的思想性有著密切的關系，藝術性作為對一件藝術作品的藝術價值的衡量標準，主要是指在藝術處理、表現(xiàn)方面所達到的完美契合程度。針對綜合繪畫材料而言，主要包括：材料語言的生動性和典型性；材料形式的準確性和鮮明性；藝術情節(jié)的完整性；藝術手法的精當性和多樣性；材料表現(xiàn)的民族性和獨創(chuàng)性等。自從畢加索在材料藝術那兒打開一扇窗，之后的很多畫家便開始不同程度地在作品中探索材料表現(xiàn)力。分離派代表畫家克里姆特，在許多作品局部大膽運用蛋彩、瀝粉、貼金箔、鑲螺鋇、貼孔雀羽毛等特殊技巧，創(chuàng)造了一種“畫出來的鑲嵌”繪畫，大大增強了畫面的裝飾意味和造型與色彩表現(xiàn)的感染力。野獸派畫家馬蒂斯在晚年也曾用色紙拼貼的手法代替油彩的涂繪，這一方法也使其畫面變得簡潔明快，呈現(xiàn)活潑有趣的效果。超現(xiàn)實主義巨匠達利為了拓展畫面視覺的張力,也常實驗滲入沙石和應用紙板，擴展材料自身的語言魅力。

在現(xiàn)當代藝術領域中，材料作為傳統(tǒng)繪畫媒介的附屬作用早已消逝，脫胎換骨地成為藝術家感悟和表現(xiàn)客觀物象的最有力的工具和武器。當下，材料作為觀念和藝術語境的重要特征，逐漸突破了單純的畫種間和畫材間的禁錮。通過借用和吸納許多非繪畫材料的成分，獲得嶄新的藝術效果和震撼的視覺張力，像裂紋漆所呈現(xiàn)的不同紋理變化，紙類拼貼的自然條紋，乳膠沉重的流淌感等。在材料選擇上除了前面所提及的玻璃、石材、塑料、鋼鐵等，媒材還被廣泛拓展到稻草、泥土、鉛塊、油漆、膠合板，甚至將洗衣粉、肥皂、火藥等用于特殊效果的制作中。材料成了藝術家不折不扣的表現(xiàn)語言和形式邏輯主體，也成了藝術家標新立異、不斷進行形式探索的核心。

但材料的應用已不僅涉及技術方面，更多地包含著藝術家創(chuàng)作中觀念的更新和對新材料的理解。德國“新表現(xiàn)主義”重要藝術家基弗，成長于德國戰(zhàn)敗的沉重歷史背景和陰影之下，他選擇了一種徹底、純粹的本土藝術，充分利用各種綜合材料，包括使用油彩、泥土、鉛、石頭、模型、照片、版畫、沙子、稻草、蟲膠和其它有機材料，他所描繪的一系列風景畫充滿了痛苦與歷史追索意味。巨大的畫面，復雜的肌理，以及“合理”的材料語言，給人以震撼的視覺沖擊力，并賦予作品主題和觀念以鮮明的觸感。

因為綜合繪畫本身具有很強的形式感和表現(xiàn)力，媒材的多元性又為畫面增添了全新的視覺感受。因此，許多現(xiàn)當代藝術家在創(chuàng)作手段和途徑方面大動腦筋。他們經常采取間接制作效果，比如使用計算機繪圖軟件制作樣稿再噴繪成數碼照片，設計制作底紋和肌理效果，應用絲網印刷技術，塑料薄膜壓印手段，以及用汽油、煤油淋灑、點燃以達到意想不到的效果等各種方法。波普藝術家安迪•沃霍爾為了迎合信息迅猛發(fā)展的時代需要，經常利用絲網印刷進行多次復制，以此反映在美國消費文化下人們復雜的變異心態(tài)，推進了20世紀中期的材料藝術語言的探索。

有時，藝術家們發(fā)現(xiàn)利用間接制作手段表現(xiàn)出的畫面效果常令人驚喜，其重要原因之一是偶發(fā)性的存在。如材料使用后呈現(xiàn)的神奇的色彩層次，火藥燃燒留下的斑駁痕跡，石蠟融化又凝固后的流淌狀態(tài)。這些意外收獲都有可能成為當代材料創(chuàng)作探索新層面的酵素，由此打開以材料本體語境打動和感染觀者的發(fā)展新格局。

勞申伯格對材料的應用范圍非常廣泛，尤其對絲綢質地的運用手段很高明，效果讓人著迷，其實此類材料作品的效果來源純屬偶然。據說一次藝術家在工作結束后，用廢絲綢團起來擦拭機器上的油墨時，無意中發(fā)現(xiàn)油墨一層層地滲透進絲綢里，層層疊疊，撲朔迷離，之后憑著對材料的敏感，勞申伯格抓住這次偶發(fā)的靈感，經過多次試驗，最終解決了絲綢、絲網印與油墨的技術難題，作品達到了理想的效果。

觀念與材料的結合

何為觀念，它不是一個概念、一種主意、一些可以用語言來描述的思想，而是指人在感性活動中體現(xiàn)出來的思維水平和感悟能力，即充滿悟性、禪機的智慧。在力透表象的反省中，觀念性包含著藝術家對材料感覺的敏銳和滲透思想的醒悟，所以他們關注當下社會人的本質與價值、精神信仰與尊嚴，強調對現(xiàn)實的批判；所以他們注重藝術的情感性，通過材料形式語言中不同的暗示信息，使作品具有獨特的思想情感印記，帶給觀者各異的視知覺感受；所以他們使材料傳達出一種特殊的文化符號內涵，它承載著藝術家自覺反思和傳承中國傳統(tǒng)文化中智慧地對待自然、對待萬物的思想情懷。

藝術家呈現(xiàn)在綜合材料創(chuàng)作中的感悟性和觀念性的特征有兩個，一是對當下生存思考和人文關懷，二是對新舊媒介的綜合，兩者共同構成了現(xiàn)當代藝術家對材料敏銳的捕捉能力，這就與傳統(tǒng)意義上的繪畫方法和思維方式有很大的區(qū)別。除了提倡創(chuàng)作中應打開無意識的大門，發(fā)掘潛意識的因素之外，更強調材料探索性和手段選擇性，如何讓材料作品中的思想與手段有機結合，這就需要藝術家智慧地探尋到那些具有他所需要的媒材形態(tài)和藝術觀念高度吻合性的材料。

材料大師塔皮埃斯認為，一件藝術品所具有的感人力量并不僅僅取決于材料本身價值的貴賤，重要的是它承載著藝術家的精神。在他看來，只有將材料作為媒介把藝術引向象征，才能創(chuàng)造出不可見的震撼。塔皮埃斯常利用材質的美感、簡約的色彩以及肌理與刮痕等手段，表達出塔氏的神秘意境和哲學象征。《作品2號》運用水墨、石灰等綜合材料，在灰蒙蒙的紙上浮現(xiàn)出類似繭狀形態(tài)的白色圖形及與之相對的黑色圖形，以黑白灰和點線面的組合使一團原本雜亂無章的線條成為了開啟整個畫面的智慧和光明的思想。從他創(chuàng)作意識和思維觀念中看出，他的思想具有東方審美哲學的影子，這應該與他深入研讀《道德經》等東方佛道、家文化經典的個人經歷關系很大。

其實藝術家在材料創(chuàng)作中接觸媒材的動機無外乎有兩種，或是帶著構思去苦苦尋找他中意的材料，或源于最初迷戀材料媒介的材質美感，卻漸漸發(fā)現(xiàn)潛藏于內的觀念表達。不論是哪種情形，在選擇媒材時藝術家都要先對材料及其特性進行深入的思考和充分的探索，同時與自身經歷和性格喜好相聯(lián)系，找到契合點，有過此番經歷的作品必定帶有藝術家鮮明的個人風格和感染力。但這一完滿過程通常很難在短期內隨著藝術家本人的意愿實現(xiàn)，他們總要經歷一番實踐探索和創(chuàng)作意志的考驗，需要不斷的培養(yǎng)和嚴格的訓練，以及多個階段與材料相互磨合。

第一階段作為一種創(chuàng)作手段的補充，憑借材質的特征美感豐富加強藝術作品的外在表現(xiàn)力，這是材料參與創(chuàng)作的初級從屬階段。

第二階段才真正進入材料本體表達的審美階段。由于材質的本體展示有不可替代性，直接將材料特性應用于創(chuàng)作實體，在展示材料作品留給觀者的初步記憶的同時使“視覺潛質”得以淋漓盡致地發(fā)揮和表達。但此階段還只是媒材進入審美本體觀念的確立階段。

第三階段是物質內涵的升華階段。綜合材料創(chuàng)作表達中除了要表現(xiàn)材料的審美功能，還要通過精神觀念提升使其進入具有特殊意義的視覺語言。材料既是藝術家的記憶性物質和精神聯(lián)合物，同時又具有廣泛普遍的象征性，能否“讀懂”材料，是否把觀念和材料語言“合理”地融為一體，材料作品中是否傳達著藝術精神性，這才是藝術家在材料創(chuàng)作中追求的真諦和此階段最需要解決的關鍵。

有人說尚揚是中國美術界20世紀80年代以來最富于否定自己和漸進性強化材料表現(xiàn)的藝術家。他經常在畫布面前“折磨”自己，苦苦思索，在一遍一遍的嘗試中期待材料、技法中出現(xiàn)的奇跡來牽引自己的創(chuàng)作構想，從他的藝術歷程看所言屬實。從早期的《黃河船夫》的蘇式風格到《狀態(tài)》系列、《大風景》系列及《董其昌計劃》系列，從單純架上繪畫到使用多種材料的“綜合”，他的作品手法和創(chuàng)作觀念變化劇烈而徹底。

20世紀80年代初，為了表現(xiàn)黃土高原的拙樸、苦澀，尚揚就曾實驗使用油畫顏料和高麗紙，首次嘗試不遵守規(guī)則的游戲。20世紀80年代末創(chuàng)作了《狀態(tài)》系列，這一系列作品迥異于他以往的風格，紙漿、石膏、乳膠的混合物擠壓在板上或布上，然后再粘上報紙，利用材料本體的審美特性表達近乎抽象的表現(xiàn)風格。之后，為了以更觸目的視覺樣式呈現(xiàn)后現(xiàn)代世界的危機和它對人類身心的擠壓，尚揚的《94大風景》成了火山內部剖面中的景觀，《大風景診斷》成了由人體的病理透視膠片組構的內部影像，《深呼吸》成了以醫(yī)療教學掛圖式的肺部風景。尚揚將自己作品的精神性品質定位為對“世界這片大風景”的追問和思索，對人與環(huán)境的關系、以及人類生存前景的關注。提起《董其昌計劃》，藝術家更將焦點投向了自然山水的質變和人與自然關系的質變，以多幅圖式并置的方式呈現(xiàn)自然的異化，材料作品中的董其昌式自然山水不僅風化，而且消失了人與自然和諧相處的見證。

縱觀尚揚的藝術風格演變，每一次都是由有意識地關注焦點到深入創(chuàng)作內涵，努力探索材料與藝術觀念性的“契合點”，智慧地將觀念和材料語言“合理”地融為一體，賦予材料作品真正的存在價值。

目前，國內外已有很多當代藝術家成功穿越傳統(tǒng)繪畫的樊籬，無論從材料實驗還是觀念融入都蘊涵著豐富性和多元性，有些甚至將材料轉換和時空錯位揉搓到作品中，使其具有超現(xiàn)實主義的視覺空間和觀念范疇，這類作品又因創(chuàng)作過程的艱難引發(fā)觀者的深刻感悟。日本藝術家三島喜美代就將硬脆的陶質與柔軟又褶皺的紙質進行材料置換，魔術般地將陶質作品變成“陶紙”作品：揉團折疊的報紙、各種包裝紙箱和貼滿印刷品的方盒變成“紙感的陶瓷”。國內藝術家徐一暉也應用過類似的智慧性表現(xiàn)形式，他用陶瓷把小紅書做成圣經式的神圣書籍，周圍布滿鮮花，像祭壇一樣放在展館，體現(xiàn)對特定時期文化現(xiàn)象的反思。

綜述

篇(2)

論文摘要：山水畫藝術在高等學校的教學由來已久，作為美術學科的必修課程，山水畫教學對陶冶學生的思想情操，凈化心靈，樹立學生正確的審美觀有著十分重要和長遠的意義。高校山水畫的教學，要通過對傳統(tǒng)藝術的深入研究和在教育教學方法上的正確實施，教育學生怎樣去審視并有效繼承傳統(tǒng)藝術留給我們的精髓，同時還要指導學生對現(xiàn)當代山水畫藝術理論與創(chuàng)作方向進行把握。

中國山水畫幾千年的發(fā)展演變形成了我們民族在山水文化上的優(yōu)秀傳統(tǒng)，她是中國傳統(tǒng)繪畫的重要組成內容，她伴隨著我們的文明發(fā)生并發(fā)展，逐漸地形成了自己獨特的個性語言和審美境界，成為了古代文人和現(xiàn)當代山水畫家們畢生追求的一門優(yōu)秀藝術。中國文人寄情山水田園的思想特質在山水畫里體現(xiàn)得最為突出，許多文人雅士喜歡山水并繪制山水畫。自魏晉以來，山水畫藝術得到長足發(fā)展，到宋元時期達到頂峰。古人歷代創(chuàng)造的不朽杰作在召喚我們努力學習的同時，也為當代的山水畫藝術創(chuàng)新提出了更高的要求。

山水畫作為當今高等藝術院校重要的專業(yè)課程，經歷了從師徒言傳到學校教育的發(fā)展過程，當代山水畫的教學要求也在不斷發(fā)展和演變著。今天，山水畫藝術的教學呈現(xiàn)出多元探索的狀態(tài)：一部分教師重視古代山水畫傳統(tǒng)的教學，注重追求古代文人畫的符號化、抽象化的境界并付諸實踐；一部分教師則重視師法造化，面對自然，走寫生和創(chuàng)作相結合的道路，更加注重追求人生回歸的藝術情懷；還有的山水畫教師受西方現(xiàn)當代藝術流派的影響，求助于特殊肌理和抽象語言的綜合表現(xiàn)，在傾向于現(xiàn)代水墨的探索中通過現(xiàn)代人文意識去觸摸天人合一的境界。WWW.133229.coM這三路教育理念和教學思想的共同發(fā)展和相互交揉形成了當代山水畫壇新的教學格局。然而，作為高校美術學科中國畫專業(yè)教學內容之一的山水畫教學實踐該何去何從，如何轉變教學理念，如何進行創(chuàng)新教學，如何更新教學內容等諸多問題一直困擾著每一個教育實踐者，筆者想結合自己多年的教學實踐談以下幾點看法。

一、提高學生理論修養(yǎng)和增設相關理論課程

山水畫的學習，理論知識是關鍵，只了解山水畫理論的基本方面是不夠的，中國的山水文化和山水畫藝術博大精深，其構圖布勢、風格意韻、人文關懷諸方面的認識才是根本，然而這類知識學生往往難以理解，不愿觸及，這使學生在宏觀上失去坐標，迷失方位。教師作為先行者，應提前對相關理論材料進行梳理加工，在教學過程中根據教學進度與學生需要分發(fā)下去供交流參考，使班級教學形成研究理論的良好氛圍。

學生需要的理論課程是多方面的，其中應至少包括哲學、文化、歷史和美學理論著作等，還應有與山水畫藝術相關的理論文獻的閱讀。根據筆者個人經驗，學生應該閱讀的有關山水畫理論著作有郭熙的《林泉高致》，宗炳的《畫山水序》，顧愷之的《畫云臺山記》，潘運告的《唐五代畫論》、《宣和畫譜》、《宋人畫論》、《元代書畫論》、《明代畫論》、《清代畫論》，朱良志的《中國藝術的生命精神》，宗白華的《美學散步》，楊大年的《中國歷代畫論采英》，張強的《中國山水畫學》、《中國畫論體系》、《國畫現(xiàn)代形態(tài)》、《中國繪畫美學》，陳傳席的《中國山水畫史》，愈建華的《中國畫論類編》，楊成寅的《視覺美》等諸多對學習山水畫有幫助的理論書籍和繪畫文獻。

閱讀應在任課教師指導下，將有關理論著作和文獻資料，細致分析，合理分解，找出規(guī)律，使學生理解起來比較容易。另外，最好定期與學生談閱讀感受，或者經常組織主體鮮明的理論知識辯論和論壇。千萬不可忽視學生的理論修養(yǎng)，當然，教師要不斷提高自身的理論水平才能做到在教學中有源源不斷的知識帶給學生。

二、要注意臨摹的深度并加大寫生教學環(huán)節(jié)的訓練

首先，教師要加強學生臨摹的深度和廣度。山水畫的臨摹教學是學習山水畫藝術的重要一課和基礎一課，歷代山水畫名家都非常重視學習傳統(tǒng)技法。對于臨摹來講，其前提是會賞析，山水畫賞析的必要性往往被我們在山水畫教學初期忽視了，其實，只有讀懂了作品的內涵，了解了作品產生的時代背景、構思立意、形式技巧、筆墨語言等等，實踐起來才不致于盲從，才會有分寸，才能深入挖掘傳統(tǒng)資源，達到學習、借鑒、轉化、吸收、提升的最終目的。古人講“師其意不師其技”，師其意者為上，要學好山水畫就要臨對范圖，更要領悟古人用意所在。

傳統(tǒng)山水畫的教學是要讓學生了解山水畫在美術史上的獨特意義，賞析山水畫的經典作品和繼承發(fā)展。對山水畫傳統(tǒng)中要求掌握的樹石畫法、皴擦技法和構圖布局規(guī)律的知識要結合具體理論，逐一掌握。山水畫臨摹是個艱苦復雜的過程，山水畫景物繁多，層次豐富，繪制過程中要有耐心，臨摹過程中還要做到膽大心細，教師要不斷激發(fā)學生的臨習熱情，變枯燥臨摹成為主動的求知過程。臨摹中應注重臨摹廣度和知識的全面性，一般先要側重一個時代的一家之法學好吃透，然后再換另一家學習，山水畫的臨摹應該遵循從隋唐臨本開始，先進行工筆山水畫的學習，等學生有了一定筆墨造型基礎后，再從宋代山水名家中選擇幾家作為學習對象來重點研究。

在臨摹教學中，教師要做學生審美方向的輔導，要讓學生從臨摹教學的一開始就學著用個人審美眼光和個性化的觀點審視傳統(tǒng)山水文化，用自己之個性去感悟古人之個性；用自己之特殊去感悟古人之特殊；用自己之創(chuàng)造去感受古人之創(chuàng)造。在臨摹課堂上，必須對學生高標準嚴要求，把學習路子走正，還要保證學生的臨摹時間，學生必須在教師的指導下花大力氣臨摹一批傳統(tǒng)山水畫經典名作。畢竟厚積才能薄發(fā)，傳統(tǒng)山水畫教學的最高要求就是用最大的力氣打進去，還要用最大的力氣打出來。

其次，教師要重視學生寫生教學環(huán)節(jié)的訓練和生活感受的山水畫寫生是很好的提高學生繪畫水平及能力的有效途徑，自徐悲鴻引西方對景寫生之法以來，無數畫家得到益處。寫生教學的要求是讓學生在寫生中做到真正消化好從臨摹中學到的筆墨規(guī)律，并努力找尋屬于自己的表現(xiàn)形式和繪畫語言。山水畫寫生的訓練可以培養(yǎng)學生的觀察能力、概括提煉能力和綜合表達的能力，是山水畫教學不可缺少的環(huán)節(jié)。高校的全日制教學有著優(yōu)越的寫生條件，應多組織學生下鄉(xiāng)寫生采風，把寫生的重點放在觀察方法的轉變和筆墨語言的組織上。因為寫生是創(chuàng)作的搜集素材階段，所以還要有意識去探索地域特征，找到事物的典型性并盡量與自己的內在追求統(tǒng)一起來，從寫生開始積累感受和表達沖動。寫生環(huán)節(jié)就是到自然中具體研究客觀事物，尋找規(guī)律，學生應在老師指導下深入研究消化傳統(tǒng)知識和技法，去開掘自然之妙，打開自己的心靈，找到表現(xiàn)自然和內心情感的筆墨語言和審美圖式，克服缺乏情緒調動和缺失個性化認識等通病，打開屬于自己的精神狀態(tài)。寫生是直接面對自然的藝術行為，既要寫景又要寫情，不應只是關注自然物像的表面形態(tài)，還要研究其內在變化規(guī)律，找出共性，并滲透進自己的思想情感和主觀期待。

山水畫寫生造境應是長時間關注的教學重點，教師在教學中要做到以身示范，循序漸進。山水寫生環(huán)節(jié)中，教師要對學生不同時期記錄的不同感受做定期輔導，把學生產生的不同心境作全面紀錄和整理，還要引導學生多想像，與記憶中的某些場景發(fā)生聯(lián)想并鍛煉學生組合能力，正所謂“移花接木”、“遷想妙得”。寫生中我們主張穩(wěn)扎穩(wěn)打，利用個體的獨特感受去觀察自然，表達自然，從情感深處貼近生活，練就學生的主觀洞察力，學會將美的事物加工組合，踐行從生活中來又高于生活的藝術原則。

三、積極組織學生進行山水畫創(chuàng)作

強化富有開拓精神的山水畫創(chuàng)作教學是高校山水畫教學的延伸環(huán)節(jié)。山水畫創(chuàng)作的教學是最終檢驗學生學習效果的重要手段，在全面繼承吸收古典山水繪畫資源后，學生應拋棄急功近利和浮躁的情緒，走向生活，走人自然，走進內心，嘗試展開屬于自己的山水創(chuàng)作之路。教師的教學應通過給學生分析大量的創(chuàng)作實例，使之逐漸找到自己的切人點并深入挖掘，教師要做好解決突發(fā)事件的準備，對于當下學術界普遍關注的創(chuàng)作問題，學生要泰然處之，教師要因人而異、因材施教；對于西方藝術思潮的諸多影響，教師要幫助學生建立個人堅定的民族文化立場。我們主張學生應在教師的輔導和鼓勵下選定屬于自己研究的繪畫方向，并深入探索和用于實踐，從而繪制出一系列有說服力的山水畫作品。我們在山水畫創(chuàng)作教學中要始終堅持以獨特、創(chuàng)造為核心的教學思路，既要印證傳統(tǒng)又要擺脫束縛走向自由，正所謂“隨心所欲不逾矩”。

四、山水畫教學要處理好的幾個重要關系

首先，是教與學的關系。美術教學有其自身特點，心靈交流非常重要。教師要與學生經常談作品、談感覺、談心情，隨時了解學生的思想狀況。外出寫生時，教師盡量與學生同吃同住，保持親近，在指導寫生時，要密切關注每個學生的作品進度和學習規(guī)律，隨時挽救一些轉瞬即失的好想法與好感受，這樣才真正起到教師的點撥作用并使學生可持續(xù)進步。教師還要在教學過程中盡量多的用自己良好的修養(yǎng)、熟練的技巧影響感召學生，并做到與學生一起探索，一起進步，讓學生明確知曉自己的探索道路是正確的。

其次，是數量和質量的關系。教師在布置作業(yè)和留給學生獨立思考命題時要有一定的量和深度，并且最好因人而異并有關聯(lián)性。沒有數量的要求難以提高質量，但盲目追求數量也會影響質量的提升，由于學生接觸山水畫時間有限，在繪畫工具和藝術語言的訓練中，要適當安排學生多練習寫字和體會用筆。山水臨摹課程期間要保證質量并很好的控制數量，山水寫生與創(chuàng)作環(huán)節(jié)中需要多畫稿子，反復修訂，力求逐漸找到自己的語言符號。

再次，是畫內功夫和畫外功夫的關系。學生往往過于重視山水畫技法的掌握程度，忽視人品、修養(yǎng)、學識等的學習。其實，學習山水畫更應該在古典哲學、文學、詩歌、游記等有關的精神性知識資源上多下功夫。對于專業(yè)技巧的教學，各個高校都有其獨立的一套辦法，唯獨畫外之功多半靠自己領悟，畫外功夫是技法的靈魂所在，需要時問去堅持和磨練，一般教學的灌輸往往收效甚微，所以，要給學生多創(chuàng)造藝術氣氛和人文環(huán)境。

篇(3)

關鍵詞：沈周；花鳥畫；繪畫風格

中圖分類號：J205 文獻標識碼：A文章編號：1005-5312（2011）27-0027-01

沈周（1427年―1509年），明代杰出畫家。字啟南，號石田，晚年自稱白石翁。明朝宣德二年十一月二十一日（1427年12月9日）沈周出生于蘇州府長洲縣相城里的一個詩書世家，一生隱逸，畢生勤于詩畫創(chuàng)作，作品頗多，聲譽隆然，病逝于正德四年八月二日（1509年8月2日），享年八十三歲。

藝術家用自己獨特的繪畫思想及表現(xiàn)手法來詮釋自己的感受，這種詮釋的結果通常具有一定的風格特色。沈周也不例外，他通過自身的不懈努力，最終形成了自己花鳥畫的特色。

一、取材廣泛，風貌眾多

竹、荷花、牡丹、芭蕉、石榴、枇杷、芙蓉、桃花、玉蘭、葡萄、蝴蝶花、萱花、白菜、田雞、鳥、鵝、貓、蟬、蛙、蟹、蝦乃至牲畜毛驢等無不成為沈周筆下攝取的對象。而且這些前無古人的形象在沈周生花之筆下呈現(xiàn)出了別一般的風采。

廣泛的題材體現(xiàn)在沈周68歲時作的“寫生冊”16頁，直接寫生，用筆精湛，有玉蘭、葡萄、蝴蝶花等等；也體現(xiàn)在《臥游圖》，其中就包括了水牛、杏花、枇杷、雞雛、石榴、蟬。

二、折枝構圖，造型巧妙

在花鳥畫作品中，構圖得當是作品創(chuàng)作成功的關鍵。所謂構圖，也就是章法、布局。中國歷代畫論中南朝齊?謝赫“六法”中“經營位置”就是指的構圖。謝赫以后，歷代畫論著作涉及“經營位置”這一論述屢見不鮮，如唐?張彥遠認為構圖乃“畫之總要”、明?李日華也認為“大都畫法以布置意向為第一”、清?蔣和認為“章法未到而筆法到者，如升堂而未入室；筆法未到而章法到者，畫必脫稿于古人”等等，眾多論者都認為構圖是繪畫創(chuàng)作的重要環(huán)節(jié)。

折枝構圖是通過截取自然界中花與鳥的某一部分的角度，并利用中國畫空間和延伸的特點，造成一種靠聯(lián)想而不斷補充深化的廣闊空間。沈周折枝花鳥作品比較多，《臥游圖》（北京故宮博物院藏）、《慈鳥圖》（上海博物館藏）、《枯木八哥圖軸》（揚州博物館藏）、《辛夷墨菜圖》（北京故宮博物院藏）等，寫真小品《寫生冊》（博物院藏）。

造型上，沈周非常注意突出花鳥性格，將花鳥注入人的主觀情緒，創(chuàng)作了“似與不似之間”的藝術形象。比如，故宮博物院藏的2件他的《墨牡丹》，一為“爛漫盈目”，一為“余香剩瓣”，各具風采。前者花朵飽滿向上，展蕊怒放，枝莖疏朗。后者枝老花衰，將殘的牡丹，花葉設計成下垂狀。這兩組不同的造型分別表達了兩種不同形態(tài)的牡丹，沈周通過“巧妙”的設計組織，充分的傳達出了物象的“神韻”。

三、洗練的筆法，清潤的筆墨

水墨花鳥畫中復筆的大量使用，或始于沈周。沈周的復筆，增強了畫作的藝術表現(xiàn)力。清代方熏《山靜居畫論》點評沈周用筆：“點簇花果，石田每用復筆，多蘊蓄之致。”他在《臥游圖》中表現(xiàn)的石榴、枇杷皆用復筆，用筆流暢，富于變化。

王世貞說：“五代徐熙黃筌而下，至宣和主，寫花鳥妙在設色粉繪，隱謂錄用耳真也。”中國花鳥畫傳統(tǒng)方法，多以線勾勒造型，傳統(tǒng)的花鳥畫的色彩要求，主要是肖似對象，所謂“以形寫形、以色貌色”。而沈周卻有了突破。他改變了長期用線勾勒的單一化方法，不僅用勾勒設色法，而且用沒骨寫生法，更是使用了水墨寫意法，別開生面。

四、妍雅的設色，沉靜的淡彩

沈周的花鳥畫分設色和水墨兩種。設色花鳥作品以淡色敷之，兼工帶寫，如《松下芙蓉圖》、《花下睡鵝圖軸》；水墨寫意作品傳世最多，影響也是最大的。

弘治二年已酉(1489)沈周所作《松下芙蓉圖》，圖上自識:“弘治己酉夏，長洲沈周”。該畫乃手卷，紙本設色，該畫其芙蓉花以紅色信筆點出，復以白粉勾絲；葉則用淡花青以沒骨法寫出，松樹用濃墨勾寫，整幅畫面濃淡、干濕，運用得當，秀潤清雅。畫面給人一種揮灑自如，瀟灑態(tài)意之感。藏于北京故宮博物院的1502年《紅杏圖》，一棵蒼翠的杏樹，枝干遒勁，向四周伸張，動感十足。古樸的樹枝上點綴著朵朵紅色的杏花，孤獨卻不寂寞，單調卻有著無盡的活力與青春氣息。

沈周是明代畫壇上杰出的“集大成”的文人畫家，他的花鳥畫藝術在花鳥畫史上有著承前啟后的意義。他在寫意花鳥畫的創(chuàng)作理論與藝術實踐上，為中國水墨寫意畫的發(fā)展做出了貢獻，他的繪畫風格對后世起到了示范和指導的作用。本文對其花鳥作品風格做了初步的探討，以期在以后的繪畫創(chuàng)作過程中，能夠吸取其精華，從而創(chuàng)作出更多更優(yōu)秀的寫意花鳥畫作品。

篇(4)

關鍵詞：國畫；工筆畫；教學；現(xiàn)代

中圖分類號：J222 文獻標識碼：A

文章編號：1005-5312（2012）26-0192-01

一、工筆畫教學的現(xiàn)狀

我國傳統(tǒng)的工筆畫教學講究師承關系，父子相傳、師徒相授、口傳身教。這一傳統(tǒng)教學模式培養(yǎng)了許多偉大藝術家甚至影響至今的各大藝術流派。在傳統(tǒng)的師傅帶徒弟式的教學模式中，工筆畫的學習離不開臨摹畫稿和對畫譜、畫論的研讀，《芥子園畫譜》就是一部整合了畫論和筆法臨摹的書籍，現(xiàn)代教學訓練中仍把它作為經典。說到現(xiàn)代工筆畫教學，由于西畫的傳入，留學西方的中國藝術家的推動，在教學模式上從師徒相授、傳移摹寫轉變?yōu)槲鞣礁鼮榭茖W的解剖、素描、色彩，傳統(tǒng)觀察方法也轉變?yōu)楦鼮榭茖W的透視學觀察方法，現(xiàn)今美術學院的學生在學習工筆畫之前要學習素描幾何體、素描人物、色彩靜物、色彩人物，分過專業(yè)后再相應的做線描花鳥、線描人物的練習，臨摹古畫、創(chuàng)作。這一教學模式下，學生觀察事物更科學，造型更準確，對光影、空間的塑造更得心應手，這一教學模式固然是科學的，但也有很多缺點，比如工筆畫本身意境的追求，由于以西畫理念作為教學基礎，現(xiàn)在學習工筆畫的學生很少研讀畫論、畫譜，這就使得傳統(tǒng)繪畫理念和精髓逐漸丟失；古人作品中淡泊隱逸、閑適田園不是我們現(xiàn)代人的生活，所以筆墨當隨時代，工筆畫的教學也應緊隨時代的腳步；西畫的傳入也使越來越多的學生選擇西方的油畫等專業(yè)，較少選擇中國畫。把國畫比喻成是老牛車，而西畫是汽車。

二、工筆畫教學遇到的問題

眾所周知，工筆人物寫生課第一個內容是素描與專業(yè)課應怎樣相結合，這點在任何高校都差不多是相同的。中國畫的特點是以線造型為主, 因此在素描基礎課中應根據國畫的特點采取適合專業(yè)特點的以線為主的素描表現(xiàn)方法, 學生掌握了線的造型能力后, 在以后的步驟中就能輕松地完成造型任務。反之, 許多同學沒有根據專業(yè)特點, 一概按照油畫專業(yè)的素描教學要求, 不是以線為主去塑造形體而是用明暗光影調子去塑造, 到了下一步驟透稿時才發(fā)現(xiàn)不對, 還得從頭開始研究如何用線塑造形體, 所以大部分時間都用在素描這一階段。基礎課向專業(yè)課過渡時, 觀察與表現(xiàn)方法產生矛盾發(fā)生混亂, 就影響了學習進程, 所以說素描課和專業(yè)課的結合是關鍵問題。應該在素描的基礎課中加強對各專業(yè)素描的訓練或者在專業(yè)課之前增加各自專業(yè)的素描時間, 使學生能有一個過渡的時間,為上好專業(yè)課打下良好的基礎。好的工筆作品應當是造型與制作的高度和諧。

工筆畫不同于其他的繪畫形式，他最重要表現(xiàn)手段是線。通過線塑造形體，通過線體現(xiàn)虛實轉折，而現(xiàn)在的老師、學生往往忽視線的作用，強調色彩和不同材料帶來的視覺沖擊力。綜觀現(xiàn)在的一些學生作品，題材和內容很新穎，創(chuàng)作手段也很豐富，但總少了點東西，就是骨法用筆，工筆畫的根基在于線，線就如同骨架支撐整幅畫。

三、樹立新的教學思想

我國傳統(tǒng)的教學模式是老師在課堂上授課，學生安靜的在課堂下聽課的場面，這樣的教學模式很單調，雖然可以達到一個統(tǒng)一的授課目的，但是不能因人而異，因材施教。我們上中國工筆畫的課，所培養(yǎng)的對象是專業(yè)的美術學生。他們本身對美都有一定的自我認識，或者對藝術有一定的見解。因此我們的課堂要縮短不同的學生對藝術的不認識到認識；不成熟到成熟的這個過程。如果單一的教學模式和教學內容只會對有天賦的學生進行扼殺。所以對于美術藝術的學生來說，應該了解每個同學的特點和愛好，因人而異，要在整個教學的過程中，盡量做到和諧自由，讓學生全面的發(fā)展，這才是中國工筆畫教學的重中之重。在課堂上講課，不能簡單的做到老師在課堂上講課，學生簡單的聽課，這樣達不到全面的發(fā)展，因為工筆畫的課堂不僅僅是在學術上傳授，更是在創(chuàng)作中傳授，也就是我們通俗說的畫。因為老師教課的目的就是想讓學生成為一名畫家，作為一名畫家不只是口頭上的表達或者文字上的寫作，更重要的一方面是在自己的繪畫功底上。因此在這方面，老師對學生的提問，不能簡單的安排在是或者否上，更重要的是在繪畫的傳授上。還有一點就是在身份的面對上，對于學生我們不能簡單的把他看作一名學生，要把他在心里看成以為藝術家，這樣才能公平的對待他所創(chuàng)作的每一副作品，在點評上或者傳授上才能把起點提的更高。這一點在我國傳統(tǒng)的藝術繪畫教育方面，是沒有做到的，應該全面的進行改進。

參考文獻：

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關鍵詞：牧溪禪意；靜境

牧溪，四川人，俗姓李，佛名法常，生于南宋寧宗開禧三年(1207年)，年輕的時侯曾中過舉人。從小喜愛繪畫，后來受到同鄉(xiāng)畫家文同的影響。于紹定四年(1231年)蒙古軍由陜西破蜀北，四川震動，然后就和難民們一起由長江遷移到了杭州，此后又與馬臻等世家弟子結交，后來因為不滿朝廷的墮落腐敗就出家為僧了，師從于徑山寺的住持。在這個時期里，牧溪受到禪林藝術風格的感染和慕陶，也曾經得殷濟川的指教。就在端平二年的時候(1235年)，日本僧人圣一來中國學習佛法，就和牧溪成了同門師兄弟。圣一回國的時候，牧溪送了他《竹鶴圖》《松猿圖》《觀音圖》三幅作品作為紀念，這幾幅作品后來在日本畫壇得到了很高的評價和追捧。因為日本對牧溪繪畫作品的認可，和國內對牧溪繪畫作品的貶斥，所以牧溪的作品大多數都流傳到了日本。牧溪的畫風渾然天成，縱逸不羈，應該稱為文人畫家，其畫筆墨淋漓，頗具禪意。

牧溪繪畫作品因為各種各樣的原因流傳在世的數量不多，尤其是他的人物畫，留存在世間的也就15幅而已，但都是精品之作，比如說牧溪畫的《觀音圖》中的觀音，表現(xiàn)的也是當時崇拜的主要神祗－白農觀音。牧溪要表現(xiàn)的是觀音內在心靈，觀音跌坐巖石岸邊，靜靜凝視前方清澈的水面，思考人間悲苦，禪意其中。此畫受傳統(tǒng)影響，觀音造形豐滿如唐，但線條和色彩只以水墨來表現(xiàn)，且姿態(tài)自然，已脫離傳統(tǒng)圖像。白描筆線源自李公麟，而李師承道子紋轉法，但牧溪用墨更淡，用筆更簡練。以淡墨描寫白農觀音，冠飾淡雅，衣紋純凈、堅，坐墊的絲絮，一筆一筆勾畫，巖石用粗筆中濃墨毛皴擦后染，山窟寬大深遠，皆在襯托白衣觀音溫雅容貌和圣潔氣度。前方竹葉、右上方蕨類及苔點以更粗濃筆墨表現(xiàn)，加強了畫面的節(jié)奏的平衡。此畫筆法嚴謹靈活，墨色蒼潤，粗細線條成對比，畫面清遠逸放、蘊藉綿密。

牧溪和粱楷第所處同一時期，我們觀牧溪的作品雖不如梁楷那么簡練，但所繪大多為佛教禪思題材，寓有靜心、忘物、四大皆空的思想，而且形象刻畫與寫情傳神俱得，在此畫中，雖落墨不多，卻神形兼具。牧溪特別擅長畫人物、樹石、龍虎、禽鳥、猿鶴、山水，作為這樣一個全方位的畫家，在當代的繪畫論文研究中他的山水畫最關注，尤其是《瀟湘八景》圖，很多后人都在關注和研究，其實牧溪的人物畫作品對后人的影響比山水畫還要大。和牧溪同時代的畫家有很多，比如說梁楷，但牧溪和他們不一樣，他的筆墨和意境都自成一派，他畫面的意境和用筆用線都與其他同一個時代的畫家有所不同，表現(xiàn)的是一種與眾不同的禪宗意蘊。這種特點對后人影響很大，對于今天得繪畫風格也可以提供較好的借鑒作用。

從中國的人物繪畫歷史上看，牧溪畫并沒有如其在日本一樣地位顯赫，由于牧溪當時所處的特殊時代以及某些特殊原因，牧溪的繪畫作品被當時的文人墨客作為沒有藝術欣賞價值的雜耍而排斥，由于當時正處在那個文人畫家掌握話語權的時期，造成了牧溪作品在中國的繪畫史上不可能有太深遠的意義和影響。但是，牧溪對“水墨”的執(zhí)著追求，在筆觸墨間中隨處可見其禪宗意蘊，其繪畫無論是從整體風貌還是到創(chuàng)作技法，從畫面氣韻還是到筆墨語言，都打破了文人畫家們所形成的繪畫風格，也改變了人們對于傳統(tǒng)繪畫的理解和認識，為我們展現(xiàn)了一個全新的繪畫藝術風格。正因為如此，才成就了他在中國繪畫史上的特殊地位。

篇(6)

詩體畫則是以詩歌的內容，意境為題材作畫，把語言藝術再現(xiàn)為視覺藝術。宋代梁楷《李白行吟圖》中李白的一件斗篷，只用了不到十根線條，便勾勒出人物身體的結構，衣褶的變化，抓住了詩人在構思詩篇，斟字酌句中微末動態(tài)的一剎那，把李白豪爽灑脫、浮想聯(lián)翩的神態(tài)勾畫出來。著墨雖然不多，卻收到耐人尋味的效果。好的詩詞不重絮言，寥寥數字便是欣賞者得到美的享受，情感的熏陶，心靈的凈化。詩情畫意相映成趣，相得益彰，創(chuàng)造出一片和諧統(tǒng)一的意境美。“詩不能盡，溢而為書，變而為畫”古詩詞與中國畫，作為語言藝術與造型藝術的兩類典型代表，都能較集中的體現(xiàn)中國藝術的精神本質。領略二者優(yōu)美的意境，鉆研中國古典詩學畫論，探究二者的根源，無論是直觀感受還是冷靜思考，你都將獲得一種強烈而相同的印象:中國詩畫藝術存在著千絲萬縷的聯(lián)系，雖形態(tài)各異但本質相同，殊途同歸。

2、論文總述

我曾有幸看到這樣一段話，仔細體味咀嚼，越來越覺得是至理名言，這段話是這樣的說的:“詩文書畫不成家數，便是枉費精神，然成家尚不從詩文書畫起，要從做人起，自身心言動，本末始終，自己打定主意，做個什么人，真積力久，自然成就。”確實，既然選擇了研習中國畫，就要有一種“板凳一座十年冷”的準備。陳綬祥先生認為，“對于畫家素養(yǎng)最值得重視、最直截了當的要求，應該還是讀書、寫字、作詩、作文和郊游了”。讀萬卷書等于行萬里路，內外兼修，積淀深厚，自然會賦予藝術家源源不斷的創(chuàng)作靈感，這樣藝術表現(xiàn)才能有感而發(fā)，引起大多數人的共鳴，才能創(chuàng)造出詩情畫意的畫面。國畫研習者自身的文化自覺為國畫的振興提供了保障，研讀深奧的中國傳統(tǒng)文學，心追手摹經典畫作以繼承筆墨畫法，經年之后，最后一定會實現(xiàn)讀書明理、閱歷事故、學問深厚，畫境超凡的境界。歷史上許多國畫大師都有深厚的文化修養(yǎng)為基礎，東晉畫家顧愷之曾提出了“傳神寫照”的美學命題。他認為傳神離不開寫形，神是通過形表現(xiàn)出來的。南齊美術理論家謝赫的“六法論”更是對中國繪畫的美學原則做出了理論論述。現(xiàn)代繪畫大師齊白石也說繪畫“妙在似與不似之間”。造型作為一種移情的媒介物，是創(chuàng)作過程中感悟對象時所產生的視覺形象，“不似之似”這個形象是中國傳統(tǒng)美學的現(xiàn)代審美觀念的產物，在藝術作品表現(xiàn)中，意象造型是情感的體現(xiàn)，沒有感情的投入也就沒有藝術。

3、論文啟示

在整理論文的同時，由于翻閱了大量資料，心里頗多感觸，特總結如下:

3．1對生活與造型的認識

研習中國畫一定要熱愛學習、熱愛生活，審視生活。藝術來源于生活，是對生活理論上的升華。生活中，故事每時每刻都在發(fā)生，為我們提供豐富多彩的創(chuàng)作題材，關鍵看如何取景、提煉以及上升到藝術的高度。一棵樹、一束花、一個人、一只動物都可以成為創(chuàng)作的對象，生活中那些我們經常被我們看見的卻不留意的感動，被優(yōu)秀藝術家們捕捉到了，才有了優(yōu)秀藝術作品的問世。生活中從來都不缺少美，缺少的只是一雙發(fā)現(xiàn)美的眼睛。藝術家看見開得嬌艷的花朵，會考慮色彩，看見集市上的人群，會不由自主地考慮組合以及節(jié)奏。看見一大群覓食的羊群，會考慮生命的意義，斟酌創(chuàng)作題材。當然，這一切必須要以深厚的文化底蘊為基礎，而且對藝術的探索之路的方向必須是正確的。

3．2對創(chuàng)作與修養(yǎng)的認識

篇(7)

關鍵詞：寫意花鳥畫；山水畫；傳統(tǒng)文化

中圖分類號：J212 文獻標識碼：A 文章編號：1005-5312（2015）29-0171-01

花鳥畫是中國畫的一個重要組成部分，當今，隨著我國經濟的迅猛發(fā)展，特別是改革開放以來與世界經濟、文化交流的日益增強，外來文化的導入，傳統(tǒng)文化與外來文化碰撞與互動，西方藝術對其他畫種的沖擊，傳統(tǒng)中國畫面臨著新的挑戰(zhàn)，并尋找著自己新的表現(xiàn)方式。花鳥畫也不例外，尤其是寫意花鳥畫。比起山水、人物以及工筆畫的發(fā)展滯后了許多，面臨著停滯不前的危機。因此我認為，由于工筆畫其特有的對客觀對象的深入細膩的表現(xiàn)力，它對西方繪畫中色彩、構圖、技巧和其他裝飾手法存在著共性的表現(xiàn)手法，一般來說工筆畫的創(chuàng)作有一定的格式化，寫意、打稿、定稿、制作，同時工筆畫可以反復渲染，它帶有很強的制作成分，這些特點為工筆畫的創(chuàng)作提供了有利的條件，使其在當今的發(fā)展中呈現(xiàn)出一派生機，滿足了當代人們的審美趨向和欣賞要求，在繁榮文化藝術市場中，工筆畫占有獨特的市場優(yōu)勢，深受著人們的喜愛。 那么，寫意花鳥畫為何會走向滑坡呢？我認為除了面臨其他畫種的挑戰(zhàn)外，也有其自身的原因，一方面是對寫意畫人才的培養(yǎng)重視程度不夠，在美術院校中寫意花鳥畫專業(yè)處于次要地位，師資隊伍力量不足。另一方面原因是急功近利，急于求成。

畫家要著重外來文化，來豐富寫意畫的表現(xiàn)語言，體現(xiàn)出時代的需求。中國文化藝術，在挑戰(zhàn)面前我們要有足夠的自信，吸取傳統(tǒng)文化的精髓，感悟時代精神，展現(xiàn)本身的文化內涵，這也是一次蛻變的過程，更是推動寫意花鳥畫發(fā)展與繁榮的必山之路。

情注山水畫， 東方藝術之魁的中國畫在世界美術領域獨樹一幟，山水畫是中國畫中一個重要的獨立畫種，早在公元5世紀六朝時期就獨立門戶。從此，在各個時期的畫論中，有關山水畫論文的篇章占重要地位，從顧愷之的《畫云臺山記》、宗炳的《畫山水序》等論著中可以得到充分證實. 因為中國的“山水畫’有它特定的內涵，山水畫是從道、擂、佛思想哲學中孕育發(fā)展起來的，形成了獨特的審美原則，所以畫山水、觀山水都以這種審美原則為標準。山水畫的“散點透視”、“骨法用筆”等充分說明它特定的文化內涵。因此，不研究傳統(tǒng)文化，不從傳統(tǒng)入手，就無法觀賞山水畫，更無法畫山水畫，也無法理解“氣韻生動”.畫史、畫論要讀，是必修課，不然創(chuàng)作就沒有標準，就沒有藝術含量。還需要博覽流派紛呈的歷代山水畫。“凡畫山水，最要得山水性情。自然山性即我性，山情即我情，而落筆不生軟矣。自然水性即我性，水情即我情，而落筆不呆板矣。”這是明代唐志契《繪事微言》中的精彩之筆，他賦山水于哲理，將山水人格化，主張山水氣象，即人格氣象，山水精神即人格精神，所以畫好山水，必具傳統(tǒng)文化功底， 山水畫要有時代意識，繼承傳統(tǒng)是為學習與進步，一味追逐古人，只能步古人后塵，不會超過古人，古典藝術都是達到項巔，無法逾越，“可遠觀而不可襲玩”的。重學習傳統(tǒng)只能體現(xiàn)在藝術精神上，現(xiàn)代意識不等于否定傳統(tǒng)，也不等于西化（指西方藝術），中國山水畫中筆墨是主體（載體）。石濤有筆墨當隨時代論，他將中國畫理論推向新的高峰，當時的“時代”又時過景遷換成了現(xiàn)在的“時代”，一個多元化信息時代出現(xiàn)了多種視覺方式，傳統(tǒng)的繪畫方式在很大程度上受到了沖擊，很多樣式已經滿足不了時人的視覺的需求.比如傳統(tǒng)筆墨的“五彩”在當今數碼信息時代，顯得“無彩”，傳統(tǒng)構圖里的“三段”、“三遠”同樣受到“三維”、“四維”的刺激.整個時代都在變革，藝術也要創(chuàng)新。首先改革意識，“改革開放”一詞應該用到藝術領域。實際上進入20世紀中國畫己經改革，涌現(xiàn)出大批革命先鋒并創(chuàng)造出大批“新產品”，許多畫家并不情愿創(chuàng)造“臨本”，但又苦于“無法”。中國畫家發(fā)現(xiàn)了“誤區(qū)”，有人將“筆墨、造形、色彩”重組，打破常規(guī)，產生新的“構成”包含著對傳統(tǒng)的揚棄，亦包含著對傳統(tǒng)的繼承，保持著民族特色，將外來藝術民族化、傳統(tǒng)藝術現(xiàn)代化，形成當代繪畫主流。